March 10 – 14, 2021
2021년 3월 10일 – 14일
3-A Gallery, CICA Museum
I have been studying haptic painting composed of coexistential arrangements of heterogeneity. My work’s canvas is ‘a haptic surface’ that unmasks abstract and figurative, realistic and unrealistic, familiar and unfamiliar, static and dynamic, and obvious and equivocal aspects of the senses.
The word ‘haptic’ means ‘tactile’ different from ‘optical’. The term ‘haptic’ (haptique) originating from ‘hapto’ is the ‘possibility of new eyes’ merging the sense of sight and the sense of touch, not meaning any external relation between the two senses. Gilles Deleuze (1925-1995) embraced this concept of sense by way of Riegl(1858-1905). Haptic space is the term Deleuze coined as the space where there is no dominant-subordinate relationship between eye and hand. That is, neither eye nor hand space. It is the space of seeing in which the sense of sight works like the sense of touch.
My attitude toward the world and concern for my identity are retained in coexistentially arranging images, which was applied to my Vision series. Abstract, figurative images are coexistentially arranged on my canvas and interlocked in both pictorial (painting) and sculptural (attaching and then scraping the material) ways. As a result, these images appear mediative, keeping an individuality intrinsic to each image. Both a visual and tactile haptic surface, namely a bas-relief surface, is revealed in a coexistnetially arranged structure. Although the bas-relief surface is mistakenly perceived as representational due to an optical illusion, my approach is not to represent anything. Image materials and real objects are not taken as the motifs of my work in this process, but the images in my works are the products of my imagination. I have performatively approached them, embracing chance effects and traces. The bas-relief surface is revealed through a gradual construction by amassing the layers of materials (heterogeneous layers). This derives from involving the uniqueness of being itself. Like this, I am concerned with an encounter of heterogeneous images, not homogeneous images. Thus, I study ways of arranging them and explore the possibility of their existence.
Contemporary people living in a capitalistic society dominated by material fetishism try to seek out and enjoy more materials, believing that the visible world is all they have to pursue. Most foreign to the visible world of material is perhaps the invisible world. I’d like to say that the visible world is not all by any means in exploring the abyss of existence and we have to be open to the invisible world. I consider this exploration of the invisible world to be important in studying the coexistential arrangement of heterogeneity. And this is represented by the form of an abstract machine that repetitively emerges in my works. I have frequently portrayed this abstract machine with non-formalized features to represent the world beyond the control of humans or beyond the visible. And, this is the “arrangement (agencement) of non-representational, non-semantic vestiges.” The Vision series aims to explore the world beyond the visible, warning us of capitalistic materialism and moving beyond the layers mutually different from each other. This series has been emphatically titled to include this meaning of Vision.
본인은 이질성의 공존적 배치로 이루어진 햅틱 회화를 연구하고 있다. 연구자의 캔버스 화면은 추상적이면서 구상적인, 현실적이면서 비현실적인, 익숙하면서 낯선, 정적이면서 동적인, 명료하면서도 애매한, 시각적이면서 촉각적인 감각 세계를 드러내는 ‘햅틱(haptique) 표면’이다. 즉 이질성의 공존적 배치로 이루어진 햅틱 회화이다.
햅틱(haptique)은 광학적(optique) 시각과는 다른 시선의 가능성을 나타내는 감각이다. ‘haptic(haptique)’은 서로 상관이 없는 눈과 촉각 사이의 외부적인 관계를 뜻하는 것이 아니라, 그 둘 사이를 혼합하는 일종의 새로운 ‘시선의 가능성’이다. 들뢰즈(Gilles Deleuze, 1925∼1995)는 이 햅틱이라는 감각 개념을 리에글(Alois Riegl, 1858∼1905)을 경유하여 수용하였다. 들뢰즈가 햅틱 공간이라고 이름 붙인 것은 손-눈의 종속 관계가 없는 공간이다. 그것은 눈적 공간도 아니고, 손적 공간도 아니며, 다만 ‘시각이 촉각처럼 행동하는’ 그러한 바라봄의 공간이다.
캔버스 화면의 공존적 배치 방식에는 본인이 세계를 대하는 태도와 정체성에 대한 고민이 담겨 있으며 <Vision> 시리즈에 이를 적용하며 작업해 왔다. 캔버스 화면에는 추상·구상·형상의 세계들이 공존적으로 배치되어 있으며 이를 표현함에 있어서도 회화적(그리기)이면서 조각적(질료를 붙이고 긁어내기)인 방식이 서로 맞물려서 진행된다. 그 결과 추상·구상·형상의 세계가 각각 고유한 개별성을 유지하면서 서로에 대해 중재하는 존재방식을 띄며 이런 공존적 배치 구조를 바탕으로 시각적이면서 촉각적인 햅틱 표면, 즉 저부조적(bas-relief)인 표면이 드러나게 된다. 여기에서 흥미로운 점은 결과적으로 드러나는 저부조적 표면에 대해 시각적 착각으로 인해 재현적으로 인식되지만 작업에 있어 결코 재현적으로 접근하지 않았다는 점이다. 작업 과정에 있어 이미지 자료나 실제 사물을 소재로 삼지 않았고 드로잉 과정을 통한 상상(환원적)의 산물을 그린 것이며 작업하는 가운데 우연과 흔적을 수용하며 수행적으로 접근하였다. 또한 질료의 층(이질적인 층위들)을 축적함으로 점진적인 구축을 통해 저부조적 표면을 드러낸 것이다. 이는 존재 그 자체에 대한 고유성을 사유하는데서 비롯된 것이다. 이렇듯 본인은 지배적인 단일한 세계가 아닌 이질적인 세계의 만남에 대한 흥미가 있고 이에 대한 배치 방식을 연구하며 또 다른 세계와 존재 가능성을 탐구한다.
물신주의가 지배하는 자본주의 사회를 사는 오늘날의 현대인은 눈에 보이는 세계가 전부라고 여기며 더 많은 물질을 추구하며 향유하려 한다. 눈에 보이는 물신의 세계에 있어 가장 이질적인 세계는 보이지 않는 세계일 것이다. 본인은 존재 탐구에 있어 눈에 보이는 세계가 결코 전부가 아니며 보이지 않는 세계에 대해 열린 태도를 지녀야 한다고 본다. 이질성의 공존적 배치에 대한 연구를 하는 데에 있어 눈에 보이는 물신의 세계 너머에 있는 보이지 않는 세계의 탐구를 중요하게 여기며 작품 속에서 반복적으로 등장하는 ‘추상기계’ 형상이 바로 이에 대한 표현이다. 인간의 통제에서 벗어난 세계, 보이는 것 너머의 세계를 표현하기 위해 형식화되지 않는 기능들로 이루어진 추상기계 형상을 그리게 되었고 이것은 “비재현적이고 비의미적인 흔적들의 장(agencement)”이다. 이를 통해 자본주의의 물신화에 대한 경계와 더불어 서로 다른 이질적인 층위들을 넘나들며 보이는 것 너머의 세계에 대해 탐구하려는 것이 연구 작품의 목적이며 그런 의미를 담아 제목을 Vision이라고 한 것이다.
I didn’t like my childhood name Myongsil (明實) because I considered it not lovely or refined, but too country. After I knew what it meant, however, I became fond of this name. The meaning of this name is ‘bright fruit’. Since then, my motto has been “Brightly, sincerely!” Consequently, I naturally wanted to bring about this atmosphere in my work and will go in this direction.
I was born and raised in a small country town. Agricultural machines and their parts were everywhere in the yard of my house. My grandfather, father, and mother went to work and only my grandmother stayed at home. For some reason, my grandmother didn’t go out and was extremely reluctant to make contact with people outside. People considered her strange and eccentric, but I who spent a lot of time with her felt comfortable with her and so liked her most.
My hermit grandmother had an unusual hobby. She used to collect images from calendars, newspapers, books, and other materials and cut them out and put them on the wardrobe in interesting arrangements. I continuously copied them, looking at them with curious eyes as a child. Looking back on it now, it seemed to give me a useful visual impulse. Just as my grandmother tackled one side of the wardrobe for her collection and arrangement, I deal with my canvas in the same way. I try to produce paintings with objecthood, addressing materials with the sensation of ‘attaching the material’ rather than ‘painting with the material’.
‘명실(明實)’, 어렸을 때는 저의 이름이 무척 마음에 안 들었습니다. 남들처럼 예쁘거나 세련되지 못한 그저 촌스러운 이름이라고 여겼기 때문입니다. 하지만 그 이름의 의미를 알게 되면서 다시 이름을 좋아하게 되었습니다. ‘밝은 열매’, 이것이 제 이름에 담긴 뜻입니다. 그때부터 저의 삶의 모토는 ‘밝게, 성실하게’가 되었습니다. 그러면서 자연스럽게 저의 작업도 그런 분위기를 담길 원하게 되었고 앞으로도 그런 방향으로 갈 것 같습니다.
제가 태어나고 자란 곳은 농촌의 작은 시골마을입니다. 여느 농촌과 다름없이 집에는 여기 저기 농기계 부품들이 널려있고, 주로 할아버지, 아버지, 어머니는 밖에 일하러 나가 계셨고 유일하게 할머니만 집에 계셨습니다. 무슨 연유인지 할머니는 집 밖을 결코 나가시지 않으셨고 가족 외에 다른 외부인과의 접촉을 극도로 꺼리셨습니다. 사람들은 그런 할머니를 이상하고 괴짜라고 여겼지만 할머니와 많은 시간을 보내는 저는 할머니가 가장 편하고 좋았습니다.
집 안에서만 생활하시는 할머니에게는 독특한 취미가 있었습니다. 달력, 신문, 책 등등 여기저기에서 어떤 이미지를 수집하고 그 일부를 오려서 장롱에 재미있게 배치해서 붙이시곤 했고 어린 제 눈에는 그 이미지가 흥미롭게 다가와서 줄곧 그것을 따라 그리곤 했습니다. 지금 생각해보면 그것이 저에게 좋은 시각적 자극을 주었던 것 같습니다. ‘수집·배치’의 방식으로 할머니가 장롱의 한 면을 다루듯 저도 그런 방식으로 캔버스를 다루며, 또한 질료를 다룸에 있어 ‘질료로 그린다’기 보다는 ‘질료를 붙인다’는 느낌으로 접근하면서 오브제(object)성을 지닌 그림(painting)을 시도하고 있습니다.
Myeong-sil Kim 김명실, “Vision_haptic202004” (2020)