3-A Gallery, CICA Museum
June 4 – 8, 2025
2025.6.4 – 6.8
Traces of the wind 바람의 흔적
My work is rooted in the smallest fragments of life—those quiet, often overlooked moments in nature and our daily existence. These fragments are not defined by tangible form, but rather by the subtle waves within us: the invisible flow of wind, the rise and fall of emotions. I seek to give shape to what is usually unseen, to the energy that moves within us and around us. This energy becomes the core of my visual language. I do not depict reality as it appears. Instead, I explore what lies beneath it—the movement of emotion, the resonance of absence, the tension between presence and disappearance. My paintings are shaped by the boundaries of being and non-being, the intersections of consciousness and the unconscious. They are meditations on the spaces in between, where perception begins to blur and deeper truths are felt rather than seen. The central metaphor in my work is the trace of wind. Wind itself is invisible, yet we know it is there. We feel it in the sway of leaves, see its marks on the surface of water. Like emotion, it is ephemeral yet undeniable. The trace it leaves behind becomes the evidence of presence. This trace, in my work, becomes a visual record—captured through layered color and abstract forms, made permanent on the canvas. I use color not only to express emotional atmosphere, but also to map the movement of these internal winds. Color becomes the language of feeling: it flows, vibrates, and sometimes dissipates. My palette is intuitive, rooted in sensation rather than logic. It responds to the rhythms of my unconscious, drawing on memory, experience, and imagination all at once. Form and surface—the interplay of flatness and depth, of openness and density—are equally important. Each field of color or stroke of texture becomes a fragment of a larger rhythm, echoing the pulse of breath, the rhythm of thought, the pattern of silence. The visual space is not static; it breathes with the same invisible energy that shapes wind and emotion. My work is not about illustration or narrative. It is about evocation. I do not seek to explain, but to awaken—to open the viewer to their own inner landscape. Through the exploration of subtle tensions—between chaos and stillness, clarity and mystery—I aim to create a space where the viewer’s own emotions might be stirred into recognition. The inspiration for these works also comes from the unconscious realm—a world of emotion that flows beneath our awareness. While we often experience emotion consciously, much of it remains hidden, only surfacing through dreams, sensations, and instinct. My work seeks to connect with that deeper current, where emotion is not named but felt deeply, quietly, and persistently. Time plays a subtle but powerful role in my paintings. Emotions are never static—they evolve, fade, return. Just as wind moves through a space and leaves behind a trace, emotions shift with time, creating marks that may soften but never fully disappear. I aim to express that transformation visually, revealing how feeling changes with memory, with absence, with longing. The boundary between presence and absence is not fixed—it is fluid. Much of what we feel cannot be explained. We may not know where a feeling begins or where it ends, but its effect is real. My paintings are an attempt to honor that mystery: to give form to the formless, to create a language for what resists being spoken. The unseen has always been a source of deep interest for me. I do not mean the mystical or spiritual, but rather the emotional and psychological territories we all carry within. My work invites viewers to pause and sense what lies beneath the surface—to experience a moment of reflection, stillness, or inner movement, even if its meaning is uncertain. In this body of work, “Traces of Wind,” I bring together my long-standing interest in emotional nuance and my continued exploration of abstract form. These pieces are born from quiet observation, from moments of reflection, from the tension between feeling and form. They are visual poems that attempt to capture what moves us when nothing seems to move at all. Living in Italy for over three decades shaped the foundation of my visual thinking. The encounters with art history, architecture, and cultural diversity deepened my understanding of form, space, and silence. But it is in returning to Korea, and in reconnecting with my roots, that I found a new resonance in my work—a fusion of the deeply personal and the universally human. Through all of this, the act of painting remains a way of listening—for me, it is a form of quiet conversation with myself, with time, and with the emotional world that moves through us all. My canvas is where the wind of thought becomes trace, where color becomes emotion, where silence becomes voice.
나의 작업은 자연과 일상 속 소소한 순간들, 즉 삶의 미세한 파편들로부터 출발한다. 그것은 구체적인 형상이 아닌 내면의 파동, 바람의 흐름, 감정의 흐름 같은 보이지 않는 것들이다. 나는 이러한 보이지 않는 에너지를 시각적 언어로 형상화하고자 한다. 현실을 재현하기보다는, 그 이면에 존재하는 감정의 움직임, 부재의 울림, 존재와 사라짐 사이의 긴장을 탐구한다. 나의 회화는 존재와 비존재, 의식과 무의식 사이의 경계에서 탄생한다. 그것은 시각적 사유의 공간이며, 우리가 인식하지 못하는 깊은 감정을 시각적으로 표현하고자 하는 시도다. ‘바람의 흔적’은 내 작업의 중심적 은유다. 바람은 눈에 보이지 않지만 우리는 그것을 느끼고, 그 흔적을 자연 속에서 인식할 수 있다. 감정 역시 그러하다. 순간적이고 잡히지 않지만, 분명 존재한다. 바람이 지나간 자리처럼, 감정도 흔적을 남긴다. 나는 그 흔적을 색과 형태로 남기고자 한다. 색채는 감정의 분위기를 나타내는 동시에 내면의 흐름을 지도처럼 그려낸다. 이 색은 논리가 아니라 감각과 직관에서 출발하며, 기억과 경험, 상상력과 무의식이 교차하는 지점에서 생성된다. 형태와 표면의 조합, 평면성과 깊이, 밀도와 여백의 관계를 통해 감정의 리듬과 무게를 드러낸다. 나의 작업은 설명이 아닌 환기이다. 서사를 전달하기보다는 감정을 일깨우고, 내면의 풍경을 마주하게 한다. 혼돈과 고요, 명료함과 모호함 사이의 긴장을 통해 감각의 공간을 만들고자 한다. 작품의 영감은 의식 너머의 세계, 즉 무의식의 흐름에서도 비롯된다. 우리가 자각하지 못하는 감정, 꿈과 감각, 본능의 층위를 탐구하며 그것을 색채와 형태로 드러낸다. 감정은 시간과 함께 흐르며 변화하고, 사라지는 듯하지만 여전히 남아 있다. 나의 회화는 그 변화와 흔적을 시각적으로 표현하는 과정이다. 존재와 부재의 경계는 고정되어 있지 않다. 많은 감정은 시작과 끝이 명확하지 않다. 그러나 그 영향은 분명하다. 나는 형태 없는 감정을 형태로 남기고, 말로 표현할 수 없는 것을 시각적으로 이야기하려 한다. 보이지 않는 세계는 언제나 나의 관심사였다. 그것은 초현실적이기보다는, 인간이라면 누구나 지닌 심리적·정서적 층위다. 내 작업은 그 층위를 잠시 들여다보고, 사유하게 하는 공간이다. ‘바람의 흔적’ 연작은 이러한 감정의 미묘함과 추상적 표현의 탐구를 결합한 작업이다. 조용한 관찰과 성찰의 순간에서 시작된 이 작품들은 감정과 형식 사이의 긴장에서 태어난다. 아무것도 움직이지 않는 듯한 찰나에 우리를 움직이게 하는 것을 담아낸 시각적 시(詩)이다. 이탈리아에서의 34년은 나의 시각적 사고에 깊은 영향을 주었다. 예술사, 건축, 다양한 문화와의 만남은 형태와 공간, 침묵을 이해하는 데 기여했다. 한국으로 돌아와 다시 뿌리를 마주하면서, 나의 작업은 개인적인 깊이와 보편적인 감성 사이에서 새로운 울림을 얻게 되었다. 회화는 나에게 ‘듣는 행위’와 같다. 그것은 나 자신과의 조용한 대화이며, 시간과 감정, 그리고 우리를 움직이게 하는 보이지 않는 세계와의 교류다. 캔버스 위에서 바람은 흔적으로, 색은 감정으로, 침묵은 목소리로 변한다.
1964년생인 김혜자는 이화여자대학교에서 서양화를 전공한 후, 예술의 본고장 이탈리아로 건너가 세계적인 예술 교육기관 Istituto Marangoni에서 텍스타일 디자인을 전공하였다. 이후 34년간 이탈리아에 머물며 다양한 문화와 예술적 감수성을 체득했고, 유럽 각지에서 전시 및 창작 활동을 이어오며 자신만의 독창적인 회화 세계를 구축해 왔다. 작업은 주로 자연과 삶의 소소한 순간에서 비롯되며, 눈에 보이지 않는 감정의 흐름과 바람의 움직임 같은 내면의 파동을 색채와 면으로 형상화한다. 존재와 부재, 의식과 무의식 사이의 경계를 주제로, 감정의 흔적을 포착하고 그 본질을 드러내는 데 집중해왔다. 대표작 시리즈인 ‘바람의 흔적’은 보이지 않는 감정과 기억의 흐름을 시각화한 작업으로, 바람의 움직임을 색채와 면으로 표현해 무의식과 깊은 내면을 드러낸다. 이 시리즈는 찰나의 흔적을 통해 삶의 본질에 대한 사유를 유도하며, 감정과 존재의 근원에 대한 탐구를 이어가고 있다. 이탈리아에서의 활동을 통해 국제 미술계에서도 주목받으며 여러 권위 있는 예술상을 수상했다. 2023년에는 International Prize Leonardo da Vinci (EFETO ARTE Foundation)와 International Art Prize Modigliani (ART FACTORY)를 수상했고, 2022년에는 International Art Award “Menelao” King of Sparta (Accademia “Italia in Arte nel Mondo”), International Prize Frida Kahlo (Storico Palazzo delle Bassano G), Premio Frida Kahlo (Milan Art Gallery) 등을 수상하며 예술성과 철학을 국제적으로 인정받았다. 회화는 단순한 이미지 재현이 아니라 존재의 흔적을 기록하고 감정의 시간을 아카이빙하는 방식이다. 각 작품은 감각, 기억, 상상, 무의식이 교차하는 시적 구조를 지니며, 삶과 예술의 경계에서 시각적 사유를 이끌어낸다. 현재는 한국을 중심으로 활발히 작품 활동을 이어가고 있다.
