CICA Indie Music Video Show Spring 2016
April 20, 1 pm – May 1, 2016
Benjamin J. Funke
Sally Kim
Nic Finch
John O’Donnell
Sandra Araújo
송주관
Benjamin J. Funke
Benjamin J. Funke, Nothing People – Smells Like Metal, 2011
나의 작업은 상태의 드라마틱한 변화가 있는 특정하게 기록된 역사적 순간들과 관련이 깊다. 이러한 중요한 순간들은 나의 개인적, 또한 집단적 경험에 대한 탐구의 시작점이 되었다. 이러한 순간들을 담은 비디오와 저속촬영된 사진들을 왜곡하거나 확장해 나간다. 나는 작품에서 현대사회의 우상 숭배를 다루며, 아이콘과 팬과의 관계의 강렬한 감정을 독자에게 전달하고자 하였다. 나는 공감과 비판, 사랑과 역겨움을 오가는 팽팽한 애증의 상태인 “팬들의 세계 (fanspace)”라고 불리는 경험을 독자가 느끼게 하기를 바랬다. 나의 작업은 나의 하위문화 현상에 대한 사랑으로부터 시작되었다. 이와 동시에 펑크락의 미학적 요소들과 태도, 문명사회의 쇄락을 암시하는 디스토피아는 나의 작업 전반에 깔려있다. – Benjamin Funke, 2016
My work often hinges on specific, historically documented moments in which there is an identifiable change of state. These pivotal moments become the starting points for my investigations of singular and collective experience. These investigations often proceed by contorting and/or expanding the original moments through video and time-lapse photography. Since the work deals with contemporary forms of idol worship, it moves viewers to experience the intense emotional relations that fans develop with their icons. It induces viewers to inhabit what you might call fanspace: a highly charged ambivalent state that oscillates between sympathy and criticism, love and disgust. The work is driven by my sincere love for and identification with the subcultures it represents. At the same time, elements of punk aesthetic and attitude seed the work with dystopic implications that suggest our civilization is in deep decline. – Benjamin Funke, 2016
Nic Finch
Nic Finch, Ambeat, Boris a Bono, 2016
저는 영상과 문화 컨텐츠를 개발하는 그래픽 디자이너, 일러스트레이터, 영상 디자이너입니다. 제 작품은 대중문화, 변화된 자아 상태, 젠더 정치 및 인간의 진화로부터 영감을 받았습니다. 저는 특히 아날로그와 디지털 기술의 사회적 관계와 이 두 기술이 교차하던 이상한 시점과 어떻게 이것 들이 더 넓은 관점에서 시간과 공간에 영향을 미쳤는지에 관심이 있습니다.
저는 뮤직비디오를 만들 때 – 영상과 오디오가 어우러져 공감각적 파도가 되어 관객에게 닿는 순간을 포착하면셔 – 비디오와 오디오의 상징적 관계를 만들고자 합니다.
I’m a graphic designer, illustrator and (moving) image maker who creates for musicians and cultural industries. My work is influenced and informed by popular culture, altered states, gender politics and human evolution.I’m particularly interested with society’s relationship with analog and digital technology and the awkward transitional period between two technologies and how this impacts on our wider sense of place and time.
When creating music videos, I aim to create as symbiotic a relationship between the audio and visual as possible – I’m aiming to find the moment where audio and video create a synesthetic wave for the viewer to ride.
Sally J Kim
Sally J Kim, Concert of Pronunciation, 2016
Sally J Kim은 텍사스 달라스에 사는 한국계 미국인 아티스트이다. 그녀는 조각, 사운드, 비디오 및 인스톨레이션 작업을 하고 있다. 반복된 노래를 통해, 작가는 영어 단어로 결국 변환될 수 있는 한국 단어를 선택하였다. 약간의 변화를 주면서 각 단어를 발음하여 다른 언어로써 인식되게 하는 과정은 한국계 미국인으로서의 그녀의 경험을 반영한다.
Sally J Kim is a Korean American artist in Dallas, TX, who makes sculpture, sound, video and installation. Through song and repetition, the artist selects Korean words that eventually transition into English words. The process of pronouncing each word with slight variation until the word becomes understood by another language captures the in between space of the artist’s own background as a Korean American.
John O’Donnell
John O’Donnell, Guts by Jean Chalant, 2016
John O’Donnell은 여러 장르를 넘나드는 아티스트이자 퍼포머이다. 뉴 미디어 아티스트로서 그는 비디오, 인스톨레이션, 퍼포먼스 작업을 통해 계략, 이상한 변화, 유머, 미디어의 성에 대한 묘사에 대해 다룬다. 그는 University of Connecticut의 판화과 교수로 재직 중이다. 그는 디트로이트의 Museum of New Art, 보스턴의 Proof Gallery in Boston, 필라델피아의 FluxSpace in Philadelphia, 뉴욕 SOHO20 Gallery에서 퍼포먼스 작품을 발표하였다. 또한 필라델피아의 the Print Center in Philadelphia, 뉴욕 the International Print Center, 한국의 Seoul Museum of Art에서 판화 작품을 전시하였다. 그의 비디오 작업은 뉴욕 the Chelsea Art Museum과 보스톤, LA, 미네폴리스, 아틀란타, 러시아의 모스코와 세인트 피터스버그의 필림 페스티벌에서 소개되었다.
John O’Donnell is a multidisciplinary artist and performer. His practice as a new media artist addresses artifice, awkward transitions, humor, gender and media representation through video, installation and performance. He is an assistant professor of printmaking at the University of Connecticut. He has created performance pieces for the Museum of New Art in Detroit, MI, Proof Gallery in Boston, MA, FluxSpace in Philadelphia, PA and SOHO20 Gallery in New York, NY. He has exhibited his prints at the Print Center in Philadelphia, the International Print Center in New York and Seoul Museum of Art in Seoul, South Korea. His videos have been exhibited at the Chelsea Art Museum in New York and at film festivals in Boston, Los Angels, Minneapolis, Atlanta, Moscow and Saint Petersburg, Russia.
Sandra Araújo
Sandra Araújo, Telephonophobia, 2015
Sandra Araújo는 괴물을 슈팅하며 미로에서 어슬렁거리며 많은 시간을 보내는 비쥬얼 아티스트이다. 이러한 그녀에게 비디오 게임과 GIF 파일 시각 문화에 대한 실험은 어찌보면 자연스러운 과정이었다. 그녀는 요즘도 옛날 방식의 컴퓨터 게임을 즐겨 한다.
Sandra Araújo is a visual artist that spent endless hours shooting at monsters and strolling through mazes. So, it only felt natural for her to evolve through an experimental and explorative process of the visual culture of video games and popular gif files in her animations. She still plays old school computer games.
송주관
송주관, Text, Get Excursion, 2016
공간 언어’에 대한 다양한 관점을 제시하는 것이 작품 철학의 주를 이룬다. Audio/Visual 미디어 프레임 속에서 공간을 구성하는 구성원들간의 움직임과 변형이 만들어 내는 모든 단계들이 제시되는데, 사운드에 잠재되어 있는 소리의 특성이 공간 에너지의 원천을 구성하게 된다. 오디오비쥬얼 미디어 아티스트, 즉흥 연주가, 전자음악가로서 작가는 오디오와 비쥬얼 소재에 일상적 관성의 흐름을 벗겨내고 오디오와 비쥬얼 소재가 가지고 있는 또 다른 잠재성에 새로운 관점을 부여하는데, 그 둘 사이에 생겨나는 즉흥적이고 미결정적인 공간 에너지, 혹은 그 공간에서의 생태환경 창조에 촛점을 두고 있다. 사운드의 소재는 주로 진동이 느껴지는 자연의 소리, 생명체의 목소리, 공명 주파수를 이용하여 인위적으로 만들어진 Digital processing에서 취해지고 있으며, 오디오의 파라미터 변화가 비쥬얼의 파라미터에 직접적으로 변화를 주는 Digital algorithm 속에서 흐름이 만들어 진다. 프랑스의 전자음악가 Pierre
Schaeffer(1910~1995)가 제시한 Reduced Listening 에 대한 고찰은 작가가 창조하고자 하는 가상의 공간, 그 안에서 발생하는 즉흥성의 표현과 공간 구성원들 간의 언어를 표현하고자 하는 과정에 적지 않은 영향을 미치고 있다. 작가는 the University of Edinburgh 에서 전자음악 석사 학위를 마치고, 남송미디어아트 페스티벌 전시, 홍대 요기가 불가사리 프로젝트 공연, 설치 미술작가와의 협업 등을 통해 전자음악의 알고리듬을 활용한 Audio/Visual 작품을 선보이고 있다.
‘Space-language’is one of the topics I have delved into most for recent years. Any type of space has its own characteristics moulded by its components, whether they are living-organisms or not. How they are chained or juxtaposed with, how different they are from each other, or at which time point they start to act and change their inner voice, causes the space to indulge itself into different kinds of world. As a media-artist and a jazz-improvisation guitar player, in frame of ‘Audio/visual’artwork, I take for the whole structure any instantaneous inspiration which is from any tradition of music ranging from Jazz and Popular to Ethnic music, and human voices or field-recordings, more specifically, fluid sound from the Nature.
Every piece of my works lends its own energy to sound materials which are recorded, transformed through digital signal processing under algorithm structure, and correspond with visual components. All the correspondence between audio and visual materials are made from digital algorithms on basis of indeterminacy in the way of veiling off their any naturally-inherited tradition. While moulded out, all the stages for the result create ‘Space-language’, which is imaginary and hyper-realistic. Audio/Visual materials constitute for every variable space, and create their own ecology, which shows any hidden potential towards the newly-experienced organic environment and space.
The Reduced Listening from French Composer, Pierre Schaeffer (1910~1995) has influenced on me to have different perspectives on materials, and after graduation of the University of Edinburgh, 2013, I have been pursuing for ecological relationship and improvisational touches between digital sources, especially for ‘Space-language.’